среда, 12 апреля 2017 г.

Анатомия для дизайнера

АНАТОМИЯ

Мне кажется, существует определенная путаница в терминологии. Как-то очень часто под словом «дизайн» имеются ввиду различные хитрости в работе с Photoshop'ом, CorelDRAW, HTML и пр. Я предлагаю чётче отделять компьютерную графику и вёрстку, как технологический аспект, от дизайна. Дизайн — это искусство, а компьютерная графика — средство его выражения. Это разные вещи и отличаются они настолько, насколько скрипка отличается от звука, ею издаваемого.

Окинув прищуренным взглядом темы, на которые я писал ранее, я вдруг понял, что там сказано лишь о программах, хитростях, приёмах — о технологии. Но где же главное? То, ради чего технология существует? Я говорю о воздухе, а где человек, который им дышит? Нужно нарисовать скелет, обтянуть его мышцами, покрыть кожей. Тогда я стал собирать материал для этой статьи, где будет говориться о
~ концепции — скелете работы,
~ впечатлении — её внешнем виде,
~ композиции — мускулах, оживляющих работу.

THE CONCEPT

Существует множество подходов к разработке концепции в дизайне, я предлагаю разделить их на два больших направления: самовыражение и гуманистический подход.

Стремление к самовыражению лежит в основе изобразительного искусства и искусства вообще. Человек, хочет он того или нет, в своей работе показывает и своё отношение к её предмету: вещи или идеи. Делая что-либо, художник всегда свою работу пропускает через себя и она неизбежно приобретает оттенок личности своего автора. Отсюда часто возникающая схожесть лиц на портретах ряда художников, некоторое повторение мотивов, цветовой гаммы и т. п.

Творчество свободного художника — всегда самовыражение, он показывает своё видение предметов, людей и их идей. Но насколько дизайнер имеет на это право? Дизайн — коммерческое искусство, давать собственную интерпретацию темы интересно, заманчиво и... легко — актёру всегда проще играть самого себя. Увлечение процессом раскрытия своей личности и своего взгляда на вещи может легко увести от цели, а цель дизайнера, в отличие от художника, не столько самовыражение, сколько подача оформляемого предмета.

Другими словами, когда общим подходом к генерации идей в дизайне становится, в первую очередь, самовыражение, раскрытие и подача своего «Я», может получиться оригинальный личный стиль, но может получиться и так, что все работы станут похожими друг на друга. Хорошо, когда в них узнается рука, но плохо, когда портфолио дизайнера похоже на развитие одного большого проекта.



РОЛЬ СОКРАТА

Дизайн выдвинулся вместе с развитием общества потребления, как искусство оформления и рекламы товара, проталкивания в массы неких идей. Из такой прикладной ориентации дизайна следует, что как прикладное искусство, он тем более ценен и удачен, чем более он способствует продвижению подаваемого им товара, а значит, чтобы выполнить свою функцию, он должен быть ориентирован, в первую очередь, на человека и его систему восприятия, быть гуманистичным.

Давайте обратимся к корням европейской культуры. Все западные философы делятся на досократиков и постсократиков. Заслуга Сократа заключается в том, что он первый поставил в центр философских проблем человека и тем повернул ход западной философии. Через две тысячи лет после его смерти художники Италии пришли к выводу, что только непосредственным изучением человека, его внутреннего строения и чувств можно прийти к точному его изображению. То время названо Возрождением (возрождением Античности), но более правильно, на мой взгляд, назвать его Переосмыслением — на базе античных истоков было создано новое, человеко-ориентированное искусство и именно оно, впервые после Античности, стало массовым и понятным людям. Возрождение уничтожило идеологизированное, теоцентричное искусство Средневековья. Именно к Возрождению восходит критический реализм XIX века, развивший его импрессионизм, а так же боровшиеся с ними многочисленные течения Авангарда. Авангард опрокинул ценности Возрождения, принёс в жертву своему Эго (своему «Дайте сказать!») восприятие зрителя. И зрители отвернулись. Выставки современного искусства стали посещать, по большей части, эстеты, которым доставляет удовольствие придумывать смысл увиденному.

Гуманистичность дизайна, как я полагаю, выражается в его способности сделать достижение необходимого автору восприятия зрителем оформляемой вещи — критерием успешности вооплощения замысла. Умение дизайнера направлять внимание и реакции человека, смотрящего на оформленную им вещь, делать её запоминающейся, достигается постоянной постановкой в процессе работы вопроса: как я хочу, чтобы зритель отреагировал на то, что я сделал и как он отреагирует на то, что уже готово. Подчёркиваю: в начале не то, что я хочу сказать, а то, как зритель это воспримет. Таким образом, работа должна базироваться на системе восприятия того типа людей, на которых она рассчитана.

Значительно легче (а как приятно), в случае неудачи, провозгласить себя непонятым новатором, чем подумать о другом. Психология, человеческая психология, гораздо важнее в дизайне, чем шрифты и линии. Именно бóльшим упором на психологический (читай, человеческий) фактор отличается художественное оформление от многих других жанров искусства, таких, как живопись или скульптура. Это не означает, что там не учитывается зрительское восприятие, об этом конечно думают, но именно в дизайне психология зрителя становится критически важной: если не понравилось, не понял, значит не купил, не зашёл, не щёлкнул на банер, переключил на другой канал, в конце концов не запомнил, забыл.

Книги о Сократе на Озоне

ПОИСК КОНЦЕПЦИИ

Наверное, самый ответственный этап в работе, это разработка её стержневой идеи. Она определит характер и лицо оформляемой вещи, непосредственно повлияет на оставляемое работой впечатление, которое является, как я полагаю, главным критерием успешности оформления.

На мой взгляд, главная задача, которую должна решать концепция оформления работы - это раскрытие сути оформляемого предмета и подача его с наиболее выгодной стороны. Приведу два примера из собственных работ, иллюстрирующих данный подход.

Сайт копании Gold Look (в прошлом один из распространителей продукции компании Гербалайф в Соединенных Штатах).

Задача разработки этого сайта осложнялась не вполне респектабельным имиджем, который сложился у Гербалайфа. Поэтому я посчитал необходимым сделать оформление достаточно привлекательным само по себе, чтобы человек, который не особенно в это верит (если бы он совсем не верил в эти препараты, он вообще бы не зашёл на сайт), только из-за внешнего вида захотел бы на какое-то время остаться и походить по разделам, а там он что-то прочитает, что-то увидит, чем-то, надеюсь, заинтересуется. Таким образом, Gold Look имеет дополнительный шанс получить клиента, который в других условиях сразу бы ушел.

Сайт компании Gold Look

Цветовую палитру я выбрал зеленовато-бежевую. Это не просто растительные цвета, поскольку препараты Гербалайфа вырабатываются из трав, но и наиболее естественная для человеческого восприятия цветовая гамма (цель — расположить его к сайту такой тематики, прежде всего, визуальными, а не информативными средствами). Женский мотив должен гармонировать и подчеркивать растительную пластику, придавать оформлению больше нежности, создавать стимул к покупке и употреблению Гербалайфа как женщинам, так и мужчинам. Для женщин: тонкая талия — похудание и общее впечатление — такой я могла бы быть. Для мужчин — сам женский образ как цель. У всех свои стимулы. И если более критично настроенная публика настороженно отнесётся к прямому воздействию на инстинкты (но они, полагаю, Гербалайф всё равно не покупают по причине неверия в панацею), то на более доверчивых людей это сработает. Suum cique, говорили древние, — каждому своё.

Меня могут упрекнуть в использовании избитой и заранее выигрышной женской темы. Ещё Бове и Аренс в 80-х годах в книге «Современная реклама» (русское издание: Довгань, 1995) писали, что красивые женщины, дети, домашние животные сами по себе привлекательны, создают положительные эмоции и, поэтому, являются приёмами второго сорта. Они правы по сути, но давайте думать своей головой — важно не что изображается, а как подаётся. Если женский образ неоправданно является центром всей работы — это дешёвый приём. На сайте Gold Look он мне понадобился для поддержки идеи лечения травами и привлечения к изучению сайта сомневающихся. Той полминуты, когда внимание пользователя ещё удерживается оформлением, может оказаться достаточно, чтобы недоверчивый человек посетил пару страниц, прочёл несколько заголовков и подписей, заинтересовался, нашёл для себя что-то и заказал — что и есть цель сайта, то, за что заказчик платит разработчикам.

Чтобы выделить сайт, кроме прочего, и исполнением, его главная угловая иллюстрация создавалать пером Wacom в программе Adobe Illustrator. Полученный характер рисунка достичь другими средствами, обычно используемыми для web-дизайна, заметно сложнее. Wacom дает живую линию, Illustrator позволяет до бесконечности уточнять формы, не боясь «протереть дырку» и не перерисовывая одно и то же помногу раз в поисках конечного варианта.

Обращу внимание ещё на один момент, который учитывался в процессе определения характера сайта. Дизайн должен «продавать» себя несколько раз:

~ он должен понравиться клиенту для которого делался,
~ понравиться его клиентам,
~ понравиться вашим потенциальным заказчикам,
~ наконец, понравиться коллегам — их мнение самое ценное.

Понятно, что далеко не всегда все перечисленные условия могут быть выполнены, и всё же.

Проект «Arabian Terror»

Образец входной страницы сайта Arabian Terror

Необходимость в этом сайте возникла в октябре 2000 года, когда с началом Интифады Эль-Акса Израиль столкнулся с грамотно построенной информационной войной, ведущейся против нас палестинскими арабами, поддержанной многими западными СМИ, а так же рядом правительств, партиями и общественными организациями в Европе, России и Америке (я рассказываю это всё для передачи атмосферы, в которой работа создавалась). Нужно было открыть свои каналы информации, которые рассказали бы о тех, кто подставляет своих детей под пули, устраивает расправы над пленными, взрывает городские автобусы.

Для такого сайта очень важна запоминаемость, он должен впечатлять, заставлять задумываться и менять позицию любого человека без разбора в возрасте, национальности и уровне образования. Исходя из темы, я решил надавить на самое глубокое из чувств всех живых организмов с нервной системой — страх. Я хотел, чтобы американцы, русские, европейцы, на которых сайт был расчитан, почувствовали то, что если сегодня под ударом Израиль — единственная демократия на Ближнем Востоке, то завтра исламский экстремизм поднимет голову и в благополучной Европе, и в далёкой Америке. На Западе и в России должны понять, что дело не в территориях, а в ненависти отсталых к более богатой духовной и материальной культуре чужих.

Для создания необходимого впечатления нужно было уйти, прежде всего, от штампов, к которым все уже привыкли и не воспринимают: куфия (арафатка), автомат Калашникова, развороченный автобус, ребёнок в перекрестье прицела. Нужен был простой по смыслу и форме, всем понятный символ насилия. Нож — решил я. Для усиления впечатления он должен быть нарисован достаточно реалистично. Нужно добавить крови, но не лужей — это слишком прямо.

Я нарисовал маленькую струйку, слегка заливающую буквы и протекающую ниже на внутренних страницах. Чтобы яснее ассоциировать нож с убийством, на лезвии я обозначил в дополнение тонкую кровавую пленку, как будто нож только что вышел из тела.

Образец внутренней страницы сайта Arabian Terror

Общая гамма взята из флага Палестинской автономии с уклоном на драматичные красно-чёрные оттенки. Достаточно контрастов: почти чёрный фон и оттенённое стальное лезвие, огромный нож и маленькие буквы рядом с ним, массивный шрифт слова «TERROR» и вьющиеся выше арабески (более детально вопросы контраста и композиции будут обсуждаться ниже). Все тексты внутри сайта появляются на тревожном багровом фоне, что несколько затрудняет чтение, но поддерживает нужное ощущение.

ПРОБЛЕМА НЕСТАНДАРТНОГО ПОДХОДА

Приведенные примеры, как я надеюсь, позволят читателю понять направление мыслей. Пример — не набор правил и это его проблема с точки зрения обучения, он локален и не может служить прямым руководством. У многих существует склонность искать пошаговые объяснения, воспринимать правила, как аксиомы. Но искусство невозможно сводить к набору приёмов, важно, как бы это банально ни звучало, всё время думать, смотреть, сопоставлять, решать, исходя из того, что существует сейчас; нет незыблемых правил. Подходы, которые я предлагаю в этом материале, хороши только сегодня, через десять лет, вполне возможно, изменится окружающая среда, а вместе с ней люди и их представления.

Здесь мы подходим к проблеме наличия открытого мышления. Сам этот вопрос возник потому, что ощущается нехватка людей, мыслящих нестандартно. Для человека свойственно мыслить стереотипами и поступать «по привычке», он не может задумываться над каждым своим действием и принимает решение только в ключевых ситуациях. Здесь есть ловушка: пробиваться через бурелом трудно, а скользить по лыжне легко, человек выбирает то, что легче, поэтому привыкает мыслить стереотипно.

С ускорением культурного и технического прогресса возник недостаток людей с нестандартным (то есть творческим) мышлением и вместе с ним появилась новая, довольно интересная, разновидность мышления стереотипного — отрицание стереотипа. Проще говоря, если все бритые, то я отращу бороду, все отпустили бороды — я побреюсь и буду ощущать себя особенным, непохожим на всех, нестандартным. На самом деле такой подход — не более чем зеркальное (перевёрнутое) отражение стандартного. Выше я говорил об отрицании Авангардом «обычного» Реализма, наверное это отрицание, как и сам Авангард, не случайно возникли «с ускорением культурного прогресса».

В Тель-Авиве на улице Йуда Макаби есть четые-пять кафе. В нескольких из них каждый вечер не продохнуть от народа, а в одном всегда было пусто, хотя оно было не хуже других. Мне объяснили, что в тех собираются «анашим меюхадим» — люди, считающие себя особенными, а это — такой репутации себе не заработало. Чувствуете парадокс: особенных людей битком набито три кафе, а в кафе «для обычных» — почти никого нет. Я иногда приходил в непрестижное кафе, выпить кофе пока его не закрыли. Там было меньше народа.

Так что такое нестандартное мышление? Это независимость механизма восприятия и принятия решений человека от мнения других, от штампов поведения самого человека, сформированных в прошлом и на основе старого опыта, в то время как решение нужно найти сейчас, исходя из конкретной ситуации. Нестандартное мышление — это способность не переворачивать с ног на голову стандартный подход, а оторваться от него, взглянуть на проблему, требующую решения свежим взглядом. Это трудно, поэтому таких людей мало.

ЭТО МОДНО, ЭТО ПАХНЕТ ЁЛКАМИ

Вы читали Майн Рида? Помните: тёмные, полные ила воды Миссури, впадая в прозрачную Миссисипи, ещё долго не смешиваются с ней, переплетаясь они текут вместе, как бы двумя потоками в одном русле, но, в конце концов, сливаются и мутная, в нижнем течении, Миссисипи впадает в Мексиканский залив, вынося огромное количество ила. Так и стремление следовать моде всегда переплетается и смешивается со стремлением копировать модное. И сколько бы дизайнер, следующий моде, ни рассуждал о креативе и творчестве (а именно такие люди больше других, как правило, и говорят о творчестве), он останется подражателем, лишь интерпретирующим чужие идеи.

Мода — всё тот же стереотип — способ мышления человеческой массы («человеческая масса», кстати, это определение Гитлера, который утверждал, что «масса — как женщина, а женщина любит, когда с ней обращаются с позиции силы»). Кто-то один смог взглянуть на вещи по другому и сумел утвердить свой личный стиль как стандарт, то есть сделать его модным. И масса подхватывает новое веянье, начинает его развивать и культивировать. И так до появления новой темы.

Но всё же модное не означает плохое. Мы говорим о дизайне, где работа происходит в неразрывной связи с клиентом и потребителем, а они мыслят, почти всегда, стереотипно. Бизнесмен, для которого вы делаете брошюру, может иметь новаторские бизнес-идеи и при этом хотеть «дизайн как у всех», который проверено работает (точнее работал в прошлом). Принять другой подход, для него значит пойти на дополнительный риск, что дизайн не сработает. Он не разбирается в этом и не хочет полагаться на мало знакомого ему человека. Заказчика нужно понять - он хочет как у всех, то, что выглядит современно и модно, то, что сработает. Выберите для себя: следовать моде и делать работы наверняка, радуясь, что клиенты принимают их с первого раза, или пытаться разработать свой подход и протолкнуть его. Первое приносит достаточно спокойную жизнь и даёт определённый доход. Второе — значительно сложнее, скорее всего может не получиться и вы останетесь ни с чем, но если хватит способностей и энергии — есть шанс не только стать маленькой (а может большой) вехой в искусстве, но и состоятельным человеком — за краску платят маляру, художнику платят за имя. Недавно я держал в руках годовой отчёт одной крупной израильской компании, его дизайн сделал Невилл Броуди, говорят, он получил за него 70 тысяч долларов. Можно спорить о стиле Броуди, но факт — он сумел его утвердить, я не думаю, что он делал это ради денег, но именно поэтому сегодня Броуди получает такие гонорары.

Как-то я разговаривал со знакомым дизайнером и он высказал интересную мысль (не скажу, что я с ней полностью согласен, но она достойна упоминания). Сегодня, сказал он, уже нет креатива, если человеку стыдно прямо заниматься плагиатом, он компилирует подсмотренные где-то приёмы, не копирует одну работу, а берёт из многих. Элемент творчества проявляется здесь в способе собирания и подбора кусочков. Обратите внимание, этот человек не противопоставляет креатив и плагиат, он находит среднее — компиляцию. Не быть творческим человеком не стыдно, не может каждый быть Леонардо, но есть хочет каждый. И делая проходные дизайны, понимая, что создано уже всё и ты, хочешь того или нет, кого-то повторяшь, стоит, по крайней мере, стремиться искать новое, не подражать.

Книги о графическом дизайне на Озоне

МЕТОДЫ ЛЕОНАРДО

«Никому никогда не подражай,» — говорил ученикам Леонардо да Винчи - «...живопись из века в век склоняется к упадку и теряется, когда у живописцев нет иного вдохновителя, кроме живописи уже сделанной» (по книге Леонардо да Винчи «Суждения»). Леонардо искал и находил новое в мире, где считалось, что всё, что можно было сказать в науке и искусстве уже сказали древние и современному Леонардо человеку остаётся лишь изучать их наследие. Не кажутся ли вам эти настроения, в какой-то мере, перекликающимися с современными?

Многие из идей Леонардо актуальны и сегодня. Приведу пару приёмов по разработке концепции из использовавшихся Леонардо.

«Рассматривай стены, запачканные разными пятнами, или камни из разной смеси. Если тебе нужно изобрести какую-нибудь местность, ты сможешь там увидеть подобие различных пейзажей, <...> кроме того, ты можешь там увидеть разные битвы, быстрые движения странных фигур, выражения лиц, одежды и бескончно много таких вещей, которые ты сможешь свести к целой и хорошей форме...» («Суждения»). Леонардо разработал принцип аналогий. Аналогии не точны по своей сути и, поэтому, подобно мутации в природе, могут вызвать непредвиденные повороты мысли, позволяют взглянуть на обыденные вещи под новым углом.

Леонардо часто описывал словами на бумаге смысл идеи и даже композиционное решение будущих картин и машин, тут же делая зарисовки. По разным причинам человек может испытывать затруднения в разработке концепции: что, для кого и как нужно делать. Это может быть из-за чрезмерной абстрактности темы, внешнего давления, чего-то другого. В любом случае, неясность мышления может выправить ясность изложения. Кто ясно мыслит — ясно излагает. Известную всем фразу можно перевернуть: в процессе изложения мысли она проясняется.

Изучение природы Леонардо считал исключительно важным в передаче её многообразия. «Прежде, чем рисовать предмет, изучи его!» Путь великого учёного указывает нам на необходимость образования. Для реализации своих идей дизайнер должен обладать широким арсеналом средств: умением рисовать (в смысле Леонардо, а не Миро), владеть насколько возможно большим количеством изобразительных техник, хорошо разбираться в технологиях компьютерной графики и компьютерах. Прежде, чем приступать к реализации идей их нужно как-то рожать, и если человек не знаком с литературой, психологией, философией, историей, у него нет пищи для мозгов и тогда он принужден заимствовать чужие идеи.

Книги о Леонардо да Винчи на Озоне

О РАЗВИТИИ ВООБРАЖЕНИЯ И ОБРАЗНОГО МЫШЛЕНИЯ

Книги дают не только знание. Читая художественную, историческую и другую литературу описательного плана, человек представляет себе события, которые в них излагаются, строит в воображении сцены, развивающиеся во времени и пространстве. Подобный способ развития воображения рекомендуется для детей, но применим в любом возрасте. Зрелым людям он приносит даже больше пользы. Маленький ребёнок, читая, предположим, о парусном корабле, без картинки не всегда может его представить, в то время, как у взрослого человека гораздо больше опыта, он может не только точнее построить образ, но и детализировать его, исходя из описания.

Ещё лучше, если вы зарисовываете по представлению. Это помогает развитию не только воображения, но и образного мышления, чему, кстати компьютерные методы изображения не способствуют. Графические редакторы устроены так, что практически на любом этапе вы получаете законченные формы: эллипс, нарисованный одним взмахом в CorelDRAW, уже имеет гладкую, правильную форму, абсолютно ровную заливку и одинаковой толщины контур. После его создания вы всё равно можете в любой момент изменять любые его характеристики до бесконечности. Делая то же самое руками, вы должны до начала рисования данного эллипса найти его точное расположение в композиции, цвет и прочее, потому что потом изменить что-то будет не всегда просто.

Человек, не смотря на то, что произошёл от обезьяны, работать не любит. Если не удалось правильно представить композицию, придется раз за разом перерисовывать работу по новой из-за того, что какому-то элементу было неверно выбрано место, форма и т. п. Логично, что человек захочет сократить себе работу, это заставит его получше себе представить композицию, прежде чем фиксировать её на бумаге. Таким образом, разработка композиций любых типов (шрифтовых, человеческих фигур, интерьеров и пр.) вручную и их детальная проработка способствует развитию мышления образами.

ВПЕЧАТЛЕНИЕ

Концепция — это скелет работы, но встречая человека, вы же не видите его скелет, перед вами только его внешний вид. Так и с работой. Зритель, как правило, не выделяет композиционного или цветового решения, даже восклицая «какая интересная идея!» он имеет ввиду не только саму идею, но и её реализацию — всё вместе. Он обращает внимание в целом на всё, его оценка — это оценка общего впечатления.

Таким образом, главным критерием удачности работы является не что иное как впечатление. Значит стоит начинать новый проект, даже не с разработки главной мысли, а с определения впечатления, которое нужно создать у зрителя.

Впечатление настолько неконкретная вещь, что словами описать его трудно. Если идея идёт на уровне сознания и действует на аппарат понимания человека, то, видимо, впечатление воспринимается на подсознательном уровне ощущений. В подсознательной природе впечатления кроется его сложность, но, в то же время, и высокая эффективность воздействия.

В оформлении сайта Arabian Terror главной задачей, как уже говорилось, я ставил необходимость вызвать страх у посетителя. Для создания ощущения опасности был взят простой и всем понятный символ насилия, в то же время он позволил уйти от стереотипного боевика с автоматом и замотанной в куфию головой, которые вызывают неприятные ощущения только у израильтян, да и те привыкли. Привычка — враг впечатления, стереотипные элементы не привлекают внимания, но, в то же время, по новому поданные знакомые человеку вещи могут вызвать эффект узнаваемости. Это импрессионистический способ: новый ракурс, акцент на игре света и тени, а не на деталях многочисленных элементов позволяют получить ощущение первого момента, когда вы выходите на балкон и вас охватывает волна звуков и динамика движения бульвара Капуцинок.

Старая вещь близка человеку, он её знает и не обращает на неё внимания, но поданная по-новому она вызывает странное, но тёплое и глубоко положительное ощущение нового... которое уже знакомо. Человек оказывается одновременно как бы в двух точках времени, что само по себе необычно. Необычное запоминается.

Кроме эффекта узнаваемости обращу внимание ещё на два приёма очень характерных для импрессионизма: стремление передать движение и передача ощущения именно первого момента наблюдения.

Первое впечатление, как известно, самое сильное, поскольку во внешнем виде человека и вещей, в той или иной мере, проявляется их сущность. Впоследствии происходит лишь уточнение полученного образа. В обычной жизни человек может, порой, ошибаться в интерпретации первого впечатления, когда сущность закопана слишком глубоко или внешний вид обманчив, но дизайнер, делая ставку на первое впечатление, может сознательно расставить акценты с учётом человеческого восприятия так, чтобы избежать неверного понимания.

ДВИЖЕНИЕ, КОНТРАСТ И ПЛАНОВОСТЬ В КОМПОЗИЦИИ

Придача вещи движения — способ привлечь к ней внимание. Движение может быть не обязательно буквальным в виде анимационного или видео-фрагмента. Это может быть динамика формы или динамика образов на листе, как это было сделано на обложке альбома Битлз «A Hard Day's Night». Движение — развитие чего-либо во времени или имитация этого развития. В движении кроется феноменальный успех кинематографа. Движение в человеческом подсознании это жизнь, статичное мёртво. Отсюда стремление многими художниками, начиная с Леонардо, придать больше динамики композициям.

Ещё один способ привлечь внимание и создать необходимое настроение это контраст. Контраст можно определить как столкновение противоположностей: контраст цвета (жёлтый/фиолетовый, красный/зелёный), контраст тона (тёмный/светлый), контраст по смыслу (дворцы и трущобы), контраст движения и статики, множество других более мелких типов. Важно понимать, что как любое сильно действующее средство, контраст должен применяться дозировано, он - средство выделения главного.

С помощью различных типов контраста можно достичь плановости в композиции. Плановость нужна для придания большей естественности. Посмотрите в окно: очертания того, что далеко — неконкретны, а цвета склоняются к серо-голубым оттенкам. На втором плане вещи видны отчётливо, первый снова теряется от внимания, потому что слишком близко. Аналогичным образом разделяется главное, второстепенное и фон в работе. Таким образом имитируется фокусировка человеческого глаза. Чем более естественна форма подачи идеи, тем меньше шансов, что она вызовет отторжение.

КОМПОЗИЦИЯ КИТАЙСКОГО САДА

В композиции реализуются все подходы и идеи. По характеру она должна напоминать пиалу с хорошим чаем. Пиала (оформление, исполнение, подача) минималистична, она не обращает на себя внимание, она продаёт предмет (чай). Чай (содержание, мысль, заложенная в работу), должен быть такого качества, чтобы пьющий его уже не отвлекался ни на что другое.

Я не буду описывать симметричные и асимметричные композиции, способы их построения и прочее, с ними связанное. О них достаточно сказано. Обращу внимание на третий тип: композицию композиций.

Этот приём заимствован из принципа планировки традиционного китайского сада. Сад разбивается на множество меньших, относительно замкнутых пространств. Каждый такой дворик имеет собственную композицию, несёт в себе определённое настроение: ручей, мостик, беседка, деревья создают определённую атмосферу; белая стена, густой кустарник или что-то другое обрамляют композицию, отделяют её от другой. Через галерею или замаскированную тропинку можно перейти в другой дворик, который создаёт другое ощущение. За ним есть ещё один, тоже со своим характером. Большое внимание уделяется виду из беседки, а так же виду, открывающемуся на входе.

Китайский сад представляет из себя модульную систему, где законченные композиции двориков, имея различный характер, поддерживают друг друга. Важнейшее отличие применения этого приёма в графическом дизайне от садово-паркового искусства заключается в том, что модульная композиция на листе (экране) видна сразу вся. Тем не менее, взгляд зрителя точно так же переходит от сцены к сцене и сравнивает все их вместе, как они смотрятся. Это тоже своеобразное движение. Композиции так или иначе связаны между собой, линейно или нелинейно они развивают определённую мысль.

Наиболее наглядный пример композиции композиций на бумаге — это коммикс. Он создан для того, чтобы его рассматривали. Модульное построение композиции, где каждый модуль сам является цельной композицией, создает желание такую композицию рассмотреть. На это нужно время. Чем больше времени зритель затрачивает на созерцание вашей работы, тем больше он её запоминает, тем больший след она оставляет в его сознании.

ЗАКЛЮЧИТЕЛЬНЫЙ ТОСТ

«Для изготовления профессиональных страничек
Вам придётся профессионально изучить
несколько профессиональных программ :)»
Михаил Мельников.

Помните, может быть, как-то в передаче «Что? Где? Когда?» был вопрос о том, какой фразы никогда не говорит настоящий джентльмен? Он никогда не скажет: «Я — джентльмен».

К вопросу о профессионализме. Не возьмусь перечислять, какими качествами должен обладать подлинный профессионал в своём деле, но могу точно сказать, чего не должно быть. Для человека свойственно нехватку чего-либо восполнять разговорами о нём. И если голодный говорит о хлебе, то о собственном профессионализме рассуждает тот, кто, очевидно, испытывает с этим проблемы. Профессионализм в любой деятельности проявляется, прежде всего, в качестве работы, но никак не разговорами о собственной величине.

В своё время я работал с одним человеком, который выдвинул оригинальную мысль: возможность украсть какое-либо решение или идею из работы, как критерий её качества. «Я открыл свои проекты и понял, что у меня нечего красть!» — констатировал он.

Это похоже на тост, но я хотел бы пожелать, чтобы из наших с вами работ была возможность что-нибудь позаимствовать.








Другие посты по этой теме:



0 коммент.:

Отправить комментарий

Ваш комментарий появится в блоге после проверки администратором